Arte con sentimiento y con buenas maneras

Zoltán Gábor Fodor-Lengyel nace en Budapest el 1 de marzo de 1963. Su educación artístico-cultural transcurre entre Budapest  (Universidad Eötvös Lóránd, Facultad de Letras) y Paris (Universidad de la Sorbonne, Facultad de Bellas Artes). A los 20 años firma un contrato exclusivo con la Galería Art 3000  y en 1986 se convierte en su director artístico.

Ha inaugurado, desde el principio de los años ochenta hasta la actualidad, más de ciento setenta  exposiciones individuales en Hungría, Austria, Alemania, Bélgica, Suiza, Reino Unido, Francia, Rusia, Estados Unidos y España. Reside y trabaja en Madrid, donde dirige la Fundación Apoyo el Arte, con el objetivo de fomentar la atención, el entendimiento y el conocimiento del público y de los mecenas hacia el arte plástico actual. Otro afán es promover y ejecutar a nivel nacional e internacional acciones educativas y culturales. Se persigue dar mayor difusión del arte plástico actual. Con esto conseguimos generar más interés, sensibilización y participación de la sociedad en la formación y promoción de artistas contemporáneos. Crear, asimismo, un puente entre el sueño del creador enlazado con el espectador receptivo. Por último, incorporar en esta labor como colaboradores a las empresas con sensibilidad artística.

Numerosas obras suyas se encuentran en colecciones internacionales, museos e  instituciones. Ha publicado once  libros, cerca de cien catálogos y otras publicaciones. Sus creaciones aparecen en numerosas reproducciones de obra gráfica, en cerámica, portadas de libros y otras ediciones.

Su vida es protagonista en varios documentales monográficos para diferentes cadenas de televisión. Su presencia en los medios de comunicación ha sido constante. Ha protagonizado más de 400 reportajes.

Zoltán asegura que “su arte es muy personal” y también afirma que “es la herramienta lo que necesita un artista para transmitir sus pensamientos, sin la herramienta no puedes hacer nada, es necesaria”.

“Saber pintar no significa ser un artista. Cuando no tienes un mensaje, cuando no tienes algo que contar de manera diferente a los demás, no eres nada, eres un artesano como máximo”, añade Zoltán quien considera que “un artista, un creador tiene que decir por qué quiere pintar una serie y qué es lo que quiere contar a la gente”.

A la hora de empezar una obra, ¿en qué se inspira?

Nunca pinto un cuadro único, normalmente pinto muchos. Antes de empezar una serie, necesito meses de trabajo intelectual, de recoger las ideas, que quiero contar, que quiero pinta. Cuando ya lo se entonces tengo que buscar la manera de pintar, en qué estilo, que tonalidades, que tamaños, que formatos. Ya tengo todo escrito en un papel y entonces es cuando cojo los primeros lienzos. Y ahí veo si funcionan con el lienzo o no.

Los primeros lienzos son como tanteos, qué quiero cambiar, que desarmo, qué tengo que hacer de otra manera. Como se tratan de series de 40 obras necesitas este tipo de preparación.

Cuando veo que la idea funciona, a partir de ahí, cojo los 30 lienzos y normalmente los pinto en el mismo tiempo.

Cuadro: Homenaje a Puskas

Como soy de origen húngaro, casi todos los años viajo a Hungría y también represento la cultura húngara en todos los sitios donde estoy exponiendo. La embajada húngara cuenta conmigo, yo soy como el embajador cultural de Hungría. Yo me siento muy español pero, evidentemente mi infancia y mi aprendizaje me lleva hasta ahí. Normalmente como tengo buenas relaciones con la diplomacia húngara surgió el tema de la donación del cuadro al real Madrid por homenaje a Puskas y pensaron en el único pintor húngaro que vive aquí en España.

¿Por qué tanto apego a la cultura popular en su obra?

Evidentemente viviendo 30 años en España, en algún momento tienes que hacer un homenaje a España, entonces hace 25 años cuando pensaba hacer un primer homenaje, en aquella ocasión no quería tratar a España con un homenaje tan trivial como los toros o el flamenco, aunque soy aficionado a las dos cosas me parecía muy trivial.

En el año 91 hice un homenaje a través de la cultura española, a través de la pintura, esto fue la serie homenaje al Greco.

Pasados los años llega un momento cuando dices, siendo muy taurino y aficionado a la cultura popular, decidí hacer un homenaje a España con estos dos temas. Es la cultura más profunda, más importante y más internacional.

Es importante captar el movimiento, tanto de las flamencas como de los toreros. Yo he ido a academias de bailes de amigos míos para fotografiar, captar el movimiento.

Mis figuras no son realistas, siempre estoy buscando un lenguaje diferente.

El mensaje de estos cuadros es el duelo entre el toro y el torero, entre la vida y la muerte, el sol, la sangre… los simbolismos del mundo taurino.

Igual que en el flamenco, el movimiento circular del bailarín, la falda, …

¿Cuál es su visión del arte moderno en España?

Es bastante caótica en las últimas épocas, ya no existen las escuelas, las tendencias como hace tiempo. El arte contemporáneo después del pop art acaba muy individualizado, cada uno hace lo que le da la gana. En España también, como en el mundo.

En las últimas décadas se ha empezado con el arte conceptual, el videoarte, todavía más alejado del puro arte. Se ha equivocado a muchos directores de museos con estas tendencias porque realmente el público necesita un arte que no sea una bañera llena de sangre en una esquina. Esto no lo consideran como arte de verdad.Ahora mismo por el público los artistas están volviendo a ser más realistas, más trabajados, sobre lienzo. Se ve que hay algo detrás, no solamente un chiste o una tomadura de pelo.

¿El arte tiene que ser fácil de entender para el público?

Fácil de entender, quien sabe. Yo cuando escucho a la gente decir “yo no entiendo el arte” siempre contesto “¿y quién entiende el arte? ¿El artista? No, ¿El crítico de arte? No, porque normalmente es un pintor frustrado, que vive de decir idioteces y de inventar. ¿El galerista? Tampoco, es un hombre de negocios, vive de nosotros. Entonces ¿quién entiende el arte? El público, vosotros.”

¿Cómo cree que se trata el arte en el periodismo actual?

Existen los periódicos especialistas de arte.  De alguna manera tu puedes ver que en los periódicos nacionales siempre tienen una sección de arte o de cultura, y dentro de la cultura dedican una parte al arte, o los dominicales suelen dedicar más páginas para algo de arte.

Pero son pocas, comparando el número de páginas de futbol, con las de arte…

Cuando hay una exposición nueva sale 20 segundos en el telediario, pero lo bueno y lo más profundo no lo suelen tratar,

Como han tratado los medios su arte

Yo estoy muy contento, se han hecho muchas críticas, entrevistas, cerca de 30 documentales, entrevistas en la radio, en la tele… Yo no puedo quejarme, mi protagonismo podría sr todavía más, pero ya es bastante. Estamos hablando de un artista, no de una estrella del pop.

Cómo han influido las nuevas tecnologías en su obra

Ha influido mucho, al final es un portal importante donde pueden llegar muchas más personas que en directo en una galería.

Considero importante twitter, facebook y tu propia página personal para tener contacto con el mundo.

Con respecto a la venta de las obras de arte en total he vendido 2, yo no creo que se vendan muchas. A la gente le gusta verlas, tocar la obra…

¿Para usted las nuevas aplicaciones para móviles y tablets suponen una democratización del arte?

¿Por qué no? Yo siempre digo que expresar tus pensamientos es libre.

Cómo describiría usted su obra

Mal, ya aprendí de los críticos, ya me considero como “expresionista lírico”, me gustó y ahora lo digo, yo soy expresionista lirico y además muy intelectual (risas). No sé, yo digo que soy figurativo, En cualquier serie mía tú ves la figura humana. Lo que más me interesa es el movimiento del ser humano.

En mi juventud estudie en la Sorbona, conocí a un famoso bailarín que fue el creador del ballet moderno (Maurice Bernardt). Yo tenía 19 años salía de Hungría y estaba estudiando ahí, me acerqué a la ópera de parís donde estaba ensayando la compañía de este bailarín, les expliqué que estaba ahí para ver cómo lo hacían, porque me interesaban los movimientos del cuerpo y dijo el maestro “vale, pues cámbiate”, le expliqué que era estudiante de arte y que quería dibujarles, entonces me volvió a decir que me cambiase. Finalmente dijo que iba a bailar con ellos porque era así como iba a entender e iba a sentir lo que era el cuerpo.

Estuve durante un año bailando con ellos sin ser bailarín, sudando sangre, con esto quería explicar que a mí me interesa el cuerpo humano, los diferentes momentos del ser humano; felicidad, tristeza, amor, desamor, la vida, la muerte, cómo nos afectan estos temas, qué respuestas tenemos.

Como soy hombre me interesa mucho el cuerpo femenino, tu puedes ver muchas obras mías que son cuerpos de mujeres porque estoy buscando la belleza. Mi obra tiene que ser un mensaje de la belleza. A mí nunca me gustaba el tipo de arte documentalista, sobre la guerra, etc. porque ya tenemos bastante. Creo que el arte tiene que ser algo que te de una pausa y consigas tener un descanso de la vida en general y por eso yo creo que intento que mi arte sea un trampolín hacia este mundo bello.

¿Debe tener compromiso social el arte?

El compromiso social no significa que tienes que dibujar la guerra de Boston, yo puedo dar más mensaje a través de algo más bello.

¿Hay precios para todos los bolsillos?

Yo tengo mis precios ya bastante considerados y tal, pero creo que una persona normal puede comprar obra mía, no estamos hablando de millones, además tengo obra gráfica, ediciones también para bolsillos más pequeños.

¿Qué piensa del mercado del arte?

El mercado del arte, os voy a decir una cosa muy triste, el mundo del arte es muy sucio, depende de muchas cosas, sobre todo del tema de depósitos, cómo hacen promociones, cómo explotan a un pintor,… es negocio, sin publicidad no vendes nada, sin promoción no van a saber que existes.

El cuadro más famoso del mundo, la Gioconda, ha sido tan famoso por pura promoción. En la expo de parís penaron que necesitarían algo mas a parte de la torre Eiffel, y esto fue la Gioconda, le hicieron muchísimo merchandaising.

Esto es lo que está pasando en el mercado del arte en general. Es puro negocio.

¿Cómo es la  facilidad de acceso?

El artista joven cuando empieza si no tiene la suerte de encontrar una galería buena está perdido en el mundo.